Se propone abordar los inicios de la digitalización y los cambios derivados de su desarrollo a finales del siglo XX. Tomando como punto de partida la transición de la realidad natural a la realidad virtual, a través de los canales informáticos de producción artística que han favorecido el paso de la imagen descrita a la imagen codificada, se analizan algunas de las transformaciones surgidas como consecuencia de los primeros ensayos plásticos con ordenador que condujeron en la llamada era de la posmodernidad al cuestionamiento de paradigmas y conceptos creativos vigentes desde las vanguardias.

Amalia García Rubí es Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid, con una amplia formación complementaria en el departamento de estética y teoría del arte del Círculo de Bellas Artes y el MNCARS.  Dedicada a la crítica de arte contemporáneo desde hace más de veinte años, escribe en distintos medios especializados. Miembro de la Asociación de Crítica de Arte AMCA, ha sido colaboradora permanente en el periódico El Punto de las Artes y en la plataforma digital Infoenpunto.com; en la actualidad escribe artículos para la revista Descubrir el Arte y realiza entrevistas a importantes personalidades del mundo de la cultura en la revista Tendencias del Mercado del Arte, así como textos analíticos para catálogos de exposiciones. Ha formado parte en jurados de artes plásticas y realizado comisariado de exposiciones en Madrid y otras ciudades españolas. Su actividad didáctica se centra en el Arte Moderno y Contemporáneo, impartiendo cursos, conferencias y visitas guiadas en la Escuela de Arte y Cultura AULARTE, así como en otras instituciones y Centros Culturales de la Comunidad de Madrid.

Esta ponencia explora cómo el dibujo está transformando su praxis, transitando desde una dimensión expandida de la disciplina —entendida como una práctica donde existe una estrecha relación física y conceptual entre los materiales, las herramientas y los espacios donde se desarrolla— hacia un marco puramente digital y eminentemente visual donde la obra no solo se genera y se consume a través de pantallas, sino que se encuentra crecientemente mediada por la inteligencia artificial. Como artista y docente en el área de Dibujo de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, abordo este desplazamiento metodológico analizando obras de arte contemporáneo vinculadas al territorio en contraposición al avance de las dinámicas digitales en las aulas.

Para visibilizar este contraste, se analizan dos modos opuestos de entender el proceso creativo en la producción actual. Por un lado, mi obra Peonada ejemplifica un dibujo expandido donde el soporte es un campo en barbecho y la línea surge de la interacción física con el territorio. Por otro lado, esta vivencia analógica se contrapone al creciente intereses del alumnado por sectores como el webcómic o los videojuegos, donde la mediación digital tiende a automatizar la representación y a desmaterializar la experiencia.

Esta distancia entre la acción realizada mediante la interacción con el espacio físico y la generación en medios sintéticos revela, además, un choque ético fundamental: mientras que el dibujo en la naturaleza suele buscar la conservación y la reconexión con el entorno, la infraestructura que sostiene la IA generativa oculta una insostenible huella ambiental por su alto consumo hídrico y energético. Finalmente, la intervención plantea una reflexión pedagógica sobre cómo acompañar al alumnado en esta transición, reivindicando el valor del cuerpo, la escala y el juicio crítico sin ignorar la realidad de la creación contemporánea.

Salim Malla (Vitoria-Gasteiz, 1976) es Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid e ingeniero topógrafo por la Universidad del País Vasco, y actualmente compagina su práctica artística con la docencia en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca. Inició sus estudios superiores en la UPV-EHU, primero en Topografía y posteriormente en Bellas Artes, completando su formación con una estancia en Sheffield Hallam University, en Reino Unido, y el Máster en Investigación en Arte y Creación de la UCM, donde obtuvo una beca predoctoral vinculada al Departamento de Arte Contemporáneo y desarrolló su tesis doctoral. Su trabajo artístico, de carácter multidisciplinar, investiga las estrategias mediante las que el ser humano da forma y dimensión a su entorno, combinando reflexión teórica y práctica artística a través de acciones efímeras, instalaciones y obras realizadas con distintos grados de manufactura. Su producción abarca desde construcciones con elementos domésticos como mapas, metros o monedas hasta piezas escultóricas, pintura, grabado, fotografía, vídeo y medios electrónicos. Ha realizado exposiciones individuales como Virada por Redondo (Valladolid, 2019), Desmesura (Vitoria, 2019), Maroceanum (El Puerto de Santa María, 2019), Husos y costumbres (Valladolid, 2017), Punto ciego (Madrid, 2015), Item Perspectiva (Valladolid, 2014), Cartografia di un processo (Thiene, Italia, 2013) y Medir el Metro (Madrid, 2013), y ha participado en ferias como ARCO Madrid, Art Sevilla, Art Marbella, SUMMA Art Fair, FIG Bilbao, Casa Leibniz y Foro Arte Cáceres. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas, entre ellas la del Museo ARTIUM de Vitoria-Gasteiz. Paralelamente, ha desarrollado una línea de investigación sobre las unidades de medida en el arte contemporáneo y ha participado en grupos y proyectos centrados en las relaciones entre arte, ecología y transición ecosocial, entre ellos Arte y Ecología, dirigido por Tonia Raquejo; Climatologías del planeta y la consciencia, dirigido por José María Parreño, ambos en la UCM; y el proyecto de I+D+i de la UPV Humanidades ecológicas y transiciones ecosociales, dirigido por José Luis Albelda.

La irrupción de la IA generativa constituye un fenómeno cultural que redefine la creación artística y nuestra comprensión de la naturaleza y el tiempo. Esta ponencia propone una aproximación artístico-filosófica a dichas transformaciones, sosteniendo que la IA no debe entenderse únicamente como un conjunto de herramientas capaces de producir imágenes, textos o sonidos, sino como la manifestación de un nuevo régimen de temporalidad que modifica las condiciones mismas de la experiencia estética. Lejos de ofrecer respuestas definitivas, el trabajo adopta una perspectiva interrogativa. Se examina si la aceleración característica de los sistemas algorítmicos altera nuestra relación con los procesos creativos tradicionalmente asociados a la espera, la memoria y la maduración. Asimismo, se analiza el modo en que la naturaleza deja de ser exclusivamente un referente exterior para convertirse también en fuente de datos, modelo computacional y objeto de simulación. Finalmente, se plantea si el arte puede seguir siendo un espacio de resistencia a la lógica de la inmediatez. La propuesta explora varios enfoques conceptuales: 1) Naturaleza, arte y temporalidad antes de la inteligencia artificial. 2) La inteligencia artificial como nuevo régimen de temporalidad. 3) Naturaleza artificial: paisaje, simulación y representación en la era de la inteligencia artificial. 4) El arte frente al tiempo algorítmico: lentitud, resistencia y nuevas formas de creación. 5) Conclusiones: habitar el tiempo de la inteligencia artificial. Más que establecer una oposición entre naturaleza y tecnología, la ponencia pretende explorar las tensiones, continuidades y paradojas que emergen cuando ambas se entrecruzan. En este contexto, la duda se convierte en un método de investigación. Preguntar por el tiempo de la IA supone también preguntarse por el tiempo del arte, por el tiempo de la naturaleza y, en última instancia, por el tiempo de la condición humana.

Ignacio Asenjo es profesor Asociado del Departamento de Escultura de la Universidad Complutense de Madrid (UCM) y Catedrático de Artes Plásticas y Diseño de la Escuela Superior de Diseño de Madrid (ESDM). Su actividad académica e investigadora aborda, entre otros ámbitos, las relaciones entre arte, diseño, sostenibilidad y conciencia medioambiental. En 2017 participó en el Congreso Imaginar la transición hacia sociedades sostenibles, celebrado en Madrid en el marco del proyecto I+D+i Humanidades ambientales. Estrategias para la empatía ecológica y la transición hacia sociedades sostenibles (HAR2015-67472-C2-1-R MINECO/FEDER, UE), con la ponencia Apuntes sobre el cambio, la consciencia medioambiental y el arte, posteriormente publicada en 2018 en la obra homónima promovida por el Ministerio de Economía y Competitividad, la Universidad Politécnica de Valencia, la Universidad Complutense de Madrid, la Universidad de Alcalá y Ecologistas en Acción. En 2019 participó asimismo como mentor del Colectivo de Diseñadores en las jornadas ¿Qué pintamos mientras se destruye el planeta?, organizadas por el Grupo de Investigación Climatologías del Planeta y la Consciencia de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, donde presentó la ponencia BWX. Investigación de materias primas orgánicas para la creación de material textil sostenible.

En el paradigma contemporáneo de la era post-digital, la producción visual y espacial se encuentra crecientemente mediada por procesos algorítmicos, entornos virtuales y la irrupción de la Inteligencia Artificial. Esta comunicación explora el concepto de sincronía matérica como la interacción corporal, directa e intuitiva entre el creador y la materia analógica (piedra, madera o metal), analizando cómo el contacto físico directo restituye a la escultura su peso ontológico y fenomenológico frente a la inmaterialidad digital.

Esta reflexión constituye el eje central desarrollado durante una reciente residencia artística en Corea del Sur (articulada en el marco de colaboración institucional con Horanggasy Creative Studio). En un contexto como el surcoreano, donde la alta tecnología y la IA ejercen una influencia determinante sobre los lenguajes artísticos actuales, se analiza la tensión dialéctica entre la automatización virtual y la gestualidad analógica. A partir de metodologías de investigación basada en la práctica, la ponencia defiende que la manipulación directa sobre el material no representa un repliegue nostálgico, sino una postura crítica necesaria para preservar la experiencia sensible y la autenticidad de la praxis artística.

Antonio Vigo nace en Madrid en 1972, donde inició su formación artística en la escuela de Artes y Oficios, y continuó posteriormente en la Universidad Complutense de Madrid, donde se licenció en Bellas Artes en 1999 y se doctoró con mención de Premio Extraordinario en 2010. Desde 2007 combina su trabajo como profesor de Bellas Artes, actualmente en la Universidad Rey Juan Carlos, con sus proyectos de escultura, actividades ambas que definen su trabajo como investigador incansable con una inclinación evidente y vocacional hacia la plástica y los proyectos tridimensionales.

Con una inquietud decidida hacia la escultura, ha participado en los últimos años en diferentes simposios y concursos de escultura:

– 2025: Es invitado por Sohar Art House al 12º International Sculpture Camp en Omán.

– 2024: Participa en el 5º Tuwaiq Sculpture Symposium, en la ciudad de Riad (Arabia Saudí), siendo parte del programa gubernamental Riyadh Art.

– 2018 Galardonado con el tercer premio en el 7th «Liu Kaiqu Award» International Sculpture Exhibition, en Wuhu (China).

– 2017 fue seleccionado como finalista del concurso “XI Arte Laguna Prize ” (Venecia), en la sección de escultura e instalación.

– 2016: participa como artista invitado por el Instituto Nacional de Escultura de China en el Simposium Internacional “Sunbird Dream” en Yiwu (China).

– Otras de sus participaciones relevantes como escultor las hace en 2014 y 2015 en la exposición internacional “NordArt “en Büdelsdorf, Alemania, y 2011 en la exposición de la segunda edición del “Premio Internacional Joven de Escultura Materima” organizado por la Fundación Francesco Messina en (Italia). En 2003-2004, ESTAMPA (Madrid) expone su obra con la “Galería Capa” con quien trabaja desde 1997.

La inteligencia artificial se ha popularizado de manera extraordinaria en los últimos años, transformando nuestra forma de percibir la realidad y, por tanto, también de interpretarla. El uso de esta tecnología parece imparable debido a las ventajas, herramientas y asistencias que proporciona. Sin embargo, al mismo tiempo abre un espacio de incertidumbre en torno a los riesgos, sesgos y errores de diseño sobre los que científicos y pensadores vienen advirtiendo desde hace tiempo.

La escultura, como forma de expresión en la que los procesos de fabricación y producción han desempeñado siempre un papel protagonista, ha visto modificada su propia definición en función de los cambios tecnológicos y de las transformaciones de los contextos espaciales y culturales en los que se manifiesta. Quizá la reformulación más significativa del significado de lo escultórico en las últimas décadas fuera la propuesta por Rosalind Krauss en su ya clásico texto de finales de los años setenta La escultura en el campo expandido. No obstante, aquella expansión conceptual había sido provocada previamente por la práctica de los propios artistas. Hoy parece inevitable asistir a una nueva revolución, a una nueva expansión de la plástica del espacio, en la que los distintos posicionamientos frente a la inteligencia artificial darán lugar a estrategias de creación y producción muy diversas.

Los defensores de esta tecnología la presentan como un poderoso aliado capaz de abrir un abanico de posibilidades creativas hasta hace poco insospechadas. Sin embargo, esta revolución no ha comenzado realmente ahora. Su implantación ha sido más gradual y silenciosa, porque los escultores hemos ido incorporando progresivamente las posibilidades que la tecnología nos ofrecía. Las máquinas-herramienta de control numérico (CNC), aunque con menos ejes que las actuales, ya comenzaron a formar parte de algunos procesos escultóricos a mediados de los años noventa, aplicándose al trabajo de materiales tan exigentes como el acero o el latón, así como a nuevos materiales sintéticos. Hoy esas máquinas pueden ser sustituidas por robots CNC de siete ejes, con un grado de precisión y versatilidad muy superior.

El desarrollo de estas tecnologías hace previsible una creciente democratización del diseño y de la producción de objetos con aspiración escultórica. La posibilidad de obtener propuestas a partir de descripciones textuales o visuales introducidas en sistemas de inteligencia artificial, como ChatGPT u otros modelos generativos especializados, incrementará exponencialmente la cantidad de resultados vinculados a lo escultórico, de manera semejante a lo que ocurrió cuando la fotografía dejó de ser una práctica reservada a especialistas y cualquier persona pudo acceder con facilidad a una cámara. Sin embargo, la abundancia de imágenes o de objetos no garantiza su valor artístico. Solo la singularidad del resultado justificará su relevancia y, al menos en el momento actual, esa singularidad sigue dependiendo de un conocimiento profundo de lo que significa realmente una escultura: de su historia, de sus problemas específicos, de sus materiales, de su lenguaje de su alma.

Es posible que proliferen los objetos concebidos con la intención de ser esculturas, pero también resulta previsible que muchos de ellos, cuando no exista detrás un escultor con criterio y experiencia, se asemejen a un cóctel elaborado con ingredientes mal dosificados. La inteligencia artificial puede combinar formas, referencias y soluciones con enorme rapidez, pero difícilmente sustituirá la mirada crítica, el conocimiento físico de los materiales, la sensibilidad y la capacidad de decisión que caracterizan el proceso creativo del escultor.

Como escultores con cierta experiencia, observaremos con atención las posibilidades que aportan estas nuevas tecnologías, manteniendo una actitud constructiva, abierta y, al mismo tiempo, crítica. Conviene explorar sus capacidades sin renunciar al juicio propio ni caer en la trampa que, en ocasiones, tienden las empresas interesadas en promover estas herramientas, haciéndonos creer que no existe alternativa posible al uso de la inteligencia artificial. La historia de la escultura demuestra precisamente lo contrario: cada innovación tecnológica ha ampliado el campo de acción del artista, pero nunca ha sustituido aquello que constituye el núcleo de la creación escultórica, que sigue siendo una forma de pensamiento materializada en el espacio y en el tiempo.

Jorge Varas es Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2014), con estudios de escultura en la School of Fine Arts de Canterbury (1987), es Profesor Contratado Doctor del Departamento de Dibujo y Grabado de la Facultad de Bellas Artes de la UCM, donde también fue coordinador del Máster en Investigación en Arte y Creación entre 2019 y 2022. Cuenta con un tramo de investigación reconocido y ha formado parte del grupo de investigación Derivas Urbanas. Intervenciones Artísticas en el Territorio (2016-2021), siendo desde 2023 director del grupo Climatologías del planeta y la consciencia. Sus líneas de investigación se centran en el dibujo expandido aplicado a estructuras escultóricas en el espacio público, la relación entre escultura y contexto, materia, espacio y tiempo, así como en los vínculos entre escultura, función, educación, arte y literatura. Desde finales de los años ochenta ha desarrollado una intensa trayectoria artística, participando en numerosos certámenes y exposiciones y obteniendo destacados reconocimientos, entre ellos el Primer Premio de Escultura del Certamen Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid (1989), el Primer Premio del XV Certamen Nacional de Escultura de Caja Madrid (1991) y el Primer Premio del Certamen de Escultura Jacinto Higueras (1998). Su obra ha formado parte de cerca de noventa exposiciones colectivas en España y en el extranjero, con presencia en instituciones y espacios de Madrid, Montevideo, Zúrich, Lisboa o Hannover, así como en ferias internacionales de arte contemporáneo como ARCO Madrid, Art Cologne, FIAC, Estampa Madrid y Art New York. Paralelamente ha desarrollado una amplia actividad expositiva individual en distintas ciudades españolas y europeas, con proyectos presentados, entre otros espacios, en el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara, la Galerie Adriana Schmidt de Stuttgart y Colonia, la Casa de la Entrevista de Alcalá de Henares y distintas galerías de Madrid, Valencia y Burgos. Desde 2005 su investigación escultórica se ha orientado especialmente hacia la intervención en el espacio público, con obras como Dim light source unknown, monumento en recuerdo de las víctimas del 11-M en Alcalá de Henares; Una señal un saludo, instalada en el Camino de Santiago a su paso por Burgos; y El legislador, realizada para el Palacio de Justicia de Cuenca. Actualmente forma parte, como director artístico, del equipo responsable de la rehabilitación y reforma del Museo de Escultura al Aire Libre de Alcalá de Henares (MUSEAL).